美术知识大全 美术基础知识点整理

美术知识是指人们对美术创作、鉴赏、史学等方面的知识和技能的总称。美术知识可以帮助我们更好地理解艺术作品，提高我们的审美能力，并且有助于我们进行创作，下面是美术知识大全，一起来看看吧。

美术知识大全1

美术课型分为哪些

　　①“造型·表现”学习领域

　　它的内容包括一切与视觉造型有关的美术活动，如所有的绘画种类、雕塑形式、工艺中的部分手工活动、民间美术中的劳作活动等。其中涵盖美术的基本造型要素(线条、形体、空间、明暗、肌理、质感、色彩、构图等)。

　　②“设计·应用”学习领域

　　它的内容包括现代设计基础、传统工艺美术。现代设计基础主要包括平面构成、立体构成、色彩构成、工业设计、视觉传达设计、服装设计、环境艺术设计以及电脑美术设计等。传统工艺美术主要包括基础图案、金属工艺、竹木工艺、编结工艺、纤维工艺、纸工艺、泥塑和陶艺以及各种民间美术工艺制作等。

　　③“欣赏·评述”学习领域

　　它的内容包括欣赏、鉴别和评述(美术评论\美术批评)。

　　④“综合·探索”学习领域

　　它的内容包括通过综合性美术活动，引导学生主动探索、研究、创造以及综合解决问题的美术学习领域。

　　分三个层次：融美术各学习领域为一体;美术与其他学科相结合;美术与现实社会相联系。

　　三层次不同程度的交叉与重叠。

　　按着表现形式来看，包括绘画、书法、摄影、雕塑、泥塑、摄像、剪纸、设计、篆刻等。

　　按着作品的来源来看，分为经典美术和大众美术。

　　总之，基础教育美术课程的目的都是为了培养有较高审美素养的国民。

美术知识大全2

　舞台美术是戏剧和其他舞台演出的一个重要组成部分，包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等。它们的综合设计称为舞台设计。其任务是根据剧本的内容和演出要求，在统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，创造出剧中环境和角色的外部形象，渲染舞台氛围。

　　传统戏曲

　　传统戏曲舞台的一个重要的美术特征，即它的“虚拟性”。经营好虚实关系，是舞台美术设计的一个关键问题。戏剧舞台的设计就是布景，运用实的布景为虚拟的戏剧服务，舞台上所有的布景和空间都具有假定性，一个景片或景块就可以是墙、门、山等等，这都是简单的实的营造，而舞台上空的部分才是真正的百宝囊，是观众无限遐想的发源地。可以说舞台设计就是通过实在布景的规划来经营舞台上空的空间，设计的主要任务就是布“空”而非布“实”。

　　戏曲舞台美术历来有关于“四个统一”说法，一是似于不似的统一，二是神似与形似的统一，三是生活真实与艺术真实的统一，四是有限空间与无限空间的统一。在空间处理上，用“虚拟艺术手法”，充分调动观众的想象力，从而，丰富舞台环境。这时的舞台美术，既讲生活真实，又重艺术加工、提炼，讲艺术夸张。

　　文艺晚会

　　随着表演艺术的形式增多，随着电视文化以及大众审美的偏爱性，舞美设计逐渐由剧院更多地进入演播厅、广场、体育馆等空间。这些大型文艺晚会的舞台设计也称为综艺舞台美术设计，其实也是经济发展和表演艺术要发展的产物。“恢宏的场面，豪华的装置，闪动耀眼的灯光，奇异的服装”等等，使舞美设计者逐渐认识到“艺术包装”的重要性。同时随着科技的发展，LED显示屏幕，视频技术以及灯术和控制技术的提高，还有冷烟火，水造型的运用等，重要的舞台语汇不再像戏剧那样仅仅是演员和布景本身，新材料的运用大大丰富了舞台美术的表现力。

　　创新

　　这是一个当今舞台美术工作者常常谈到的话题，任何艺术的创新，都存在一个“度”的问题，存在能否为观众所接受的问题。有着坚硬外壳的传统舞台的创新，更要驾驭“度”和观赏者的欣赏口味及欣赏习惯之间的关系。创新的定位应该建立在自身艺术特性的基础之上，寻找不雷同于其他艺术，并且富有表现力的创造手段，使自己的舞台设计特色鲜明，更强烈。舞美设计样式不同，手法各异，但共同遵循的原则，是努力创造尽可能大的自由空间。

　　特性

　　①属二度创造艺术。它须在剧本文学创作及导演总构思的基础上进行再创作，以其特有的形象语言表达剧作

　　的内涵。舞台美术创作源于生活，但又须以剧中人物、事件和规定情景为依据，并须与表达导演的创作意图相协调。在演出中它起到了丰富、补充和加强人物形象塑造，深化主题思想的作用。

　　②从属于表演艺术。舞台艺术的中心是表演艺术，景物不能脱离表演自我炫耀，而现代舞台美术则融入和加强了演员的表演，从而使人物形象更加鲜明。

　　③既是空间艺术又是时间艺术。在人物与景物造型方面无不具有空间特性。首先人物造型是依附于三维的演员身上，而景物造型则为演员表演提供必要的空间环境，景片平台、道具等皆需占有空间。在演出的全过程中，时间在不断流动变换，人物造型也随角色行动而变化。人物景物皆须随着剧情发展而显示出时间的推移。

　　④具有综合性。舞台美术本身是布景、灯光、化妆、服装等诸多造型因素的综合体，它们之间既有分工，又相互关联，形成一个不可分割的艺术整体。一般来说布景、灯光担负着表现戏剧环境的作用，服装、化妆担负着表现人物的作用。灯光直接渲染人物，布景间接表现人物，人物塑造有时也间接表现环境。所以现代舞台美术虽然可以区别出布景、灯光、服装、化妆等，但塑造戏剧环境与人物的全部任务是由舞台美术综合体共同承担的。它是个有机的艺术整体。

　　⑤技术性较强。舞台形象要依靠多种先进的技术手段才能体现出来，因此它的发展历来与科学技术紧密相关。古希腊悲剧中的天神下降，只不过从更衣室二层阳台上用篮筐将扮演天神的演员垂吊下来。而到文艺复兴时期的意大利，则出现可用以飞吊云朵和天神的舞台机械。19世纪末20世纪初又添加了转台、升降台和推台等各种混合机械。16世纪欧洲剧场使用蜡烛和油灯照明。19世纪初煤汽灯出现后又改用气灯，直至发明了电光源，舞台灯光技术才发生了一次突变。近年来微机控制系统和激光技术的发展更开拓了舞台灯光的新领域。立体音响、幻灯以及电影放映设备及新型材料的涌现，都更丰富了戏剧演出的舞台技术手段。

美术知识大全3

中学美术欣赏课必要性的理论依据

　　1.以人本主义心理学理论为指导在美术欣赏教学的实践过程中要始终体现培养人、发展人、完善人，追求个性和人与人之间的和谐发展与平等。

　　2.新课标的要求注重美术课程与学生生活经验的关联使学生在积极的情感体验中提高想象力和创造力，提高审美意识和审美能力，增强对大自然和人类社会的热爱及责任感，发展创造美好生活的愿望与能力。

　　3.美术欣赏教学的认知功能认知功能就是对现实生活全面、生动、形象、能动的反应。所有的美术作品都能使人获得由感性到理性的认识，有助于人们透过美术作品透视作者及那个时代的人文精神。

　　4.美术欣赏教学的教育功能通过形象的感染与激发效能，启发观赏者的意识与情感活动，从而达到提高思想、品德和情操的目的。

　　美术欣赏课中常用教学方法的分析

　　1.讲授法：教师对美术的基本知识、基本原理、基本技法以及美术作品进行讲解和说明。缺点是以教师为中心，容易陷入满堂灌、填鸭式的教学模式。优点是教师可以在有限的时间内增加知识的传授量。

　　2.提问法：教师根据知识(美术知识、文学和历史知识等)、原理以及作品的直观特征(内容、色彩、材料)进行提问，学生回答。

　　3.讨论法：以学生为主体对作品展开讨论，教师发挥主导作用，进行宏观调控。

　　4.探究法：运用启发性的手段引导学生用探求、研究的心态去进行深入的感受、理解艺术作品。

　　讨论法和探究法的缺点是在学生具备一定美术知识的前提下才能进行;优点是学生可以切身体会到艺术作品从形式到内涵的过程，培养学生独立欣赏的能力。

　　5.比较欣赏法

　　可以分为(1)横向比较法：文化背景的比较，艺术家间的比较。

　　(2)纵向比较法：不同发展时期的作品比较，艺术流派不同发展时期的纵向比较，艺术家不同成长阶段的纵向比较。

　　高中美术欣赏教学要注意的问题

　　1.把握学科特征，基础知识学习和作品欣赏并重，注重学生见解，实现师生互动，启发学生创新思维。

　　2.防止由于一味迎合学生的兴致，将美术的“边角余料”过多阐述，没有回到审美教育的主渠道上来。

　　3.防止以美术家的介绍代替美术欣赏。

　　4.防止以“文学性解释”代替美术作品欣赏。如果把作品的文学性同美学特征割裂开来，那也不是真正的美术欣赏。

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　学生美术的基本素养有哪些

　　基本素养一：学生基本了解美术内容和现象。总的来说美术有造型艺术和视觉艺术之分，具体包括绘画、雕塑、工艺、摄影、计算机、广告设计、建筑和环境艺术等。事实上，我们很多学生认识的美术就是画画或住手工课，大大局限了美术的范围从而也抑制了学生的学习兴趣。因此我们要让学生认识到美术在我们身边无处不在，除物质的也还有精神的，对于一些美术现象如白雪皑皑、小桥流水、挺拔、伟岸、纯洁、淡定、矫健、羞涩等学生不得而知。学生能够认识生活中美无处不在就说明我们的美术教学成功了一半。

　　基本美术素养二：了解基本的美术创作方法和过程。基本了解美术的创作方法和过程是学生具备终身学习的前提和动力，了解方法和过程学生会随时拿起以掌握的美术媒材进行有效创作，从而影响感悟他人。基本了解美术的创作方法和过程是延续美术知识和技能的有效途径。学生掌握了创作方法能增加自己一些美术知识，增加美术技能创造性思维得到发挥，针对不同的美术媒材创作不同风格的美术作品，以满足美术爱好者的欲望。对美术创作方法和过程的基本了解还可以鉴赏、品评古今中外作品。了解美术的创作方法和过程也是学生自身修养的需要。能够很好培养分析问题解决问题的能力。了解了方法和过程学生会对已有的媒材进行分析加工，解决难题，想方设法达到自己的创作目的。

　　基本素养三：对美术在社会生活中的价值和作用有基本了解，美术在社会生活中的价值和作用多数学生的看法不一样，新课程目标主要是延续和发展美术的知识与技巧，以满足人类社会经济和文化的需要，健全人格，形成人的基本素养和能力，促进人的全面发展。因此我们要学生知道美术学习不一定当专业艺术人才，不一定要靠美术吃饭，而是通过美术学习开发我们的智能，达到眼，手，脑的协调统一。在社会生活中处处需要美术，从家里紊乱物品的布置摆放到大型建筑的完美结合。我们身上穿的、家里用的、身边玩的、美术学问多多。充分认识美术在生活中的作用能提高我们的生活品味，同时也使得我们的劳动产品永远列于不败之列。相对其他统考科目来说，美术在生活中的作用更为广泛。

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少儿美术教学方法

【第一】适时增补法

在课堂教学内容比较单一的情况下，很大程度上不能调动起儿童的积极性，运用增补法可以满足这些儿童的绘画“饥饿”心理。

例如《画青蛙》，有小朋友会问：“我可不可以再画几只青蛙呀?”“我可不可以画些小蝌蚪呀?”等等问题。小朋友自己想象，提出增补一些内容。

这时启发他们各抒己见，再加以引导：在画面上补充些什么，就能表现出一幅幅不同时间、不同环境、不同内容的画。小朋友运用头脑中已有的表象，加上联想，进行增补，从而充分发挥各自的创造力。

【第二】素材组合法

儿童作画并不能凭空想象，丰富表象的储备是想象内容更为生动的前提条件。因此在教学中有时还可以为儿童提供一些直观素材，让儿童根据自己的观察、理解，进行自由组合，发挥他们的创造力。

如为幼儿提供水果、蔬菜、鸟类、家禽等，请幼儿选一个主题将这些图形组合成一幅有情节的画。这样以来，孩子的思路打开了，可以更充分地体现出儿童奇妙的童心和大胆的创造力。

【第三】课题延伸法

课题延伸是指在坚持有利于儿童主动发展的前提下，对教材中原有的命题作适当的补充或改变。如《夜景》一课，在原课题的前面添加“ (地方)的”、“ 上的”等，换成半命题的形式，孩子易于思索;

再如《蔬果动物》一课，课题改成《蔬果动物园》，蕴涵合作精神，这样的内容范围广，“质量”也高。

【第四】潜移默化法

所谓潜移默化，是指人的思想或性格受到环境或别人的影响，在不知不觉中起了变化(《辞海》注)。在儿童画教学中，潜移默化的途径主要是通过作品欣赏、气氛感染而达到的儿童画创作的积极性。

如为儿童经常性地提供优秀作品或本班、本年级儿童的优秀作品欣赏，丰富儿童视觉感受，激发竞争参与意识，从而有效地提高儿童的绘画创作兴趣。

【第五】内容重叠法

在儿童画教学过程中，经常性会画一些有关节日性的画面，如儿童节、国庆节等。内容重叠法是指将一内容与另一内容重叠后形成新画面的方法，具体是指引导儿童将需要的内容进行夸张想象，破除儿童原由的绘画形象，将常画的内容与想画的内容重叠，经过想象创造描绘出新形式的儿童画。

譬如前面所列举的儿童节，在实际教学中不难发现，儿童常画的内容气球，但如果我们将气球进行夸张想象，将儿童想表现的画面体现在几个“大气球”里，相信这样的画面安排更趋新颖，更富新意。

【第六】正反思维法

儿童画教学的目的不是把每个儿童培养成为一名专业画家，毕竟我们教育的目的是为了帮助每个儿童在各个方面，发展他们的认识与智力。

而儿童画教学中正反思维法的运用恰到好处地体现出这一点，正反思维法是指从正反两个角度对所要描绘的内容进行想象的方法。

如在指导《想象中的房子》一内容前，从正向思维角度出发，则考虑人类居住的房子将是如何的好;而从反向思维角度出发，面对当前土地资源缺乏，环境污染严重等等，怎样解决当前的各种矛盾，使想象中的房子表现在良好的环境之中?

【第七】仿生想象法

仿生想象法是指将所画之物模仿成另一事物的方法。这种方法在儿童画教学中甚为常用。例如：在启迪儿童画《想象中的太阳》这一内容时，儿童对太阳作拟人化处理一般都能掌握，从太阳公公引导出太阳奶奶、太阳叔叔、甚至太阳警察、太阳邮递员等较为容易。

但这并非能满足儿童的想象欲望，继而分别出示长耳朵的太阳及西瓜形的太阳，再加以引导、鼓励，儿童思路如泉泉流水，想象中的太阳画面一一呈现，并表露无遗。这种仿生想象法在相关美术领域教学中可以称得上是儿童创作中启迪想象力的一把“金钥匙”，能充分开启儿童智慧和想象的大门。

【第八】学科结合法

综合性学习是世界教育发展的一个新特点，是美术课程应该具有的特征，也是基础教育课程改革需要突破的一个难点。

为此，很多勇于开拓的教育者已着手探索美术综合•探索这一学习领域，努力尝试学科与学科间知识的结合转化教学。在儿童画教学中，也可以将其作出另一种诠释，与音乐等学科知识结合转化，从而表现具有想象力的画面。

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素描线条画法

　　1. 要注意线条和线条的衔接，中间用力重 ，下笔和手笔都轻 。排线条的时候 ，短线手腕发力，轴心在手腕，长线大臂发力，轴心在肩膀附近，用手臂的力量打出来的线条要直一些 ，力道都要一样 ，这样画出来的画才不像长毛了一样 。线条根据物体结构来画，暗部要层层画，要分多次来画。总之，线条的练习要学会控制线条的轻重，速度和疏密;落笔要平稳，顺手，自然，产生轻松生动的线条感觉。

　　2.在排线的时候深色的可以打多几层，亮的地方线条可以排疏一些。在画一个物体的时候，不是看一眼画一笔，物体只是一个型，一个模，我们要找出他的明暗交界线，高光点，充分运用理解明暗五调子，首先要做到一幅画已在脑中形成，然后再慢慢表达出来。交界线的地方是最细节的，最主要的，要多花画些笔触。暗部较次要，学会舍得。亮的地方要亮起来。

　　3. 然后就是灰的问题 。一般刚开始画画都很灰 ，解决方法就是黑白灰要拉开。刚开始练习的时候比较困难 ，画的多了，画的东西就结实了，黑白灰就比较明确了。当然 ，初学者在写生或是临摹的时候 ，首先要找到画中间最亮的部分和最暗的部分 ，然后先从暗部画起，把画中最黑的地方用6b涂到最黑 。最后再找稍稍比最黑的地方亮点的部分画轻一点，依次类推。需要注意的是， 最亮的地方可以先留白，也可以用手涂抹掉，不过，擦出来的永远没有留出来的高光亮。暗部千万不能用纸擦 ， 一擦就灰了。 写生的时候，最好能把看到最暗的地方画的再暗些 ，亮的地方留白，特别是高光。

　　4. 画完之后，眯起眼睛再次比较一下静物和自己的画，在最后的修改阶段，亮部再一次提亮，暗部再一次加暗， 明暗交界线略卡一下，也要用排线条卡，不能是单线 ，不能框框 。

　　素描的简介

　　由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。单色水彩和单色油画也可以算作素描;中国传统的白描和水墨画也可以称之为素描。通常讲的素描多元化指铅笔画和炭笔画。素描是一切绘画的基础，这是研究绘画艺术所必须经过的一个阶段。

　　素描通常采用可于平面留下痕迹的方法：如，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张等，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。 轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系和节奏、主动与被动的周围环境、平面、体积、色调、及质感。

　　素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像带色彩的绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

　　“素描是最基本的绘画活动，在一个平面上留下一个笔记，或是画一条线段，都会立即改变那个平面，给中性的表面注入活力。图形的介入将平面变成了虚拟的空间，将物质的现实变成了想象力构成的虚构情景。纸面上的笔记破坏了纸面的空虚，使平面活了起来，从一无所有中展现出潜在的维度。笔迹和平面共同参与对话，相互交换正与反，切换对象和基础的关系。线条切割纸面的空间，也释放出了平面上隐含的或生产性的能量。对于纸的生成性能量，中国古代书法家亦有深刻的认识。绘画的所有可能性就源自这种图画物理性。

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　1.传统中国画色彩在当前的发展及价值体现

　　1.1传统中国画色彩在当前的发展分析

　　传统中国画色彩经历了漫长发展时期，在这一过程中色彩和水墨都一直是在这一过程中此消彼长。到了当前的发展过程中，文化价值观出现了多样化以及个性化的一面，传统中国画的色彩方面也有了新的重视，传统中国画色彩包含了丰富当代因子，在发展上又有了新的机遇。当代中国画的岩彩以及彩墨画等都已经呈现出了具有当代感的色彩面貌[1]。传统中国画色彩在当代的发展上是多元化的，其不只是涵盖着壁画对当代绘画的影响，其中还包含着远古的彩陶以及漆器等，当代中国画色彩发展演进当中色彩不再像传统中国画色彩那样受到某一思想的影响，并成为多元及开放和个性化的局面。

　　1.2传统中国画色彩在当前的价值体现分析

　　中国绘画在当前的时代发展过程中不断发展壮大，各绘画流派也在此相互的交替及变革，从而产生出了更多的装饰技法以及绘画技巧，作为传统的中国画色彩也是如此。传统中国画色彩在这一发展过程中被素淡黑白文人画所占领，这并非是意味着其已经消亡，色彩还依然在水墨文人画大兴时刻发展着。传统的中国画色彩不管是透亮工笔还是厚重唐卡等都会为当代绘画带来一笔不朽财富，特别是壁画对我国的重彩画的影响最大。这一多空间以及多材料和多色彩的对比因素共同融合创造，色彩的造型综合性创造出了带有宗教精神的色彩场性[2]。传统中国画在色彩上对当代的中国画色彩的价值是巨大的，并需要不断的进行摸索将其整合创新应用。

　　2.传统中国画色彩对当代中国画色彩多样化审美影响

　　2.1传统中国画色彩在当代的多样化呈现

　　当代的中国画画种当中对传统色彩因素的继承最大的就是重彩画，这一重彩画除其自身因素外还有特殊材质美，现今的文化背景下我国已经从传统绘画色彩模式进入到近现代，然后就是在当代也是受到传统中国画色彩观启发。我国处在变革及发展的重要阶段，多元社会结构及经济制度等是中国画多元化面貌的重要影响因素，从现今的中国绘画方面已到了全面发展的时代，我国的绘画艺术已经经历了几千年时间，并在创新突破呼声中向着交融汇合道路进行发展。

　　每一色彩机能正常的现代人都可能通过艺术创造来发现及发展自身积淀着人类发展至今的全部色彩本质。通过对画家胡明哲作品的举例来对中国画色彩演进以及多元化历程加以详细阐述，在其作品当中的《花季》是对颜色使用比较鲜明的一幅作品，画的是作画者友人的女儿成人节肖像，通过下图能够看出，作品中的颜色主要是浅蓝色背景，和樱花所构成的背景就使得在整体颜色上凸显出了清新脱俗，在画面中的女孩是身着日本的和服，并和画面中的樱花构成了一致赏樱花节日的氛围[3]。通过这一画面不仅是显示出了节日的氛围，同时也将女孩的花样年华有了呈现。

　　当代绘画作品在色彩上呈现的面貌是多样的，作画者对色彩的应用上有着很大的发展空间，因为每个画家对色彩的效果追求是不同的，其对传统色彩都从不同程度有着继承，并对当代的色彩风貌也都有着创新，从而在画风上有着独特性。传统的色彩对随类赋彩等有着讲究，我国传统绘画色彩并非是依靠着色彩，其在象征意味方面也有着深刻的体现，其中比较显著的就是五行色以及受到老庄玄禅的影响。文化的发展使得中国画色彩的中西结合成为了现实，并在色彩观方面也有了融合。西方涌入的光谱色画面科学色彩观对文人画在我国的画坛地位有了改变，使得中国画在画面的色彩层面较为活跃。

　　2.2当代中国画色彩的个性化体现

　　传统绘画的单一感觉在色彩表面以及感情色彩本质被现代画家解放后，色彩在当代的发展也成为了精神活动的多种呈现形式，在伟大色彩艺术家当中，两者通常都表现出相互加强趋势，色彩的敏感触动色彩感情，而色彩感情凝聚色彩感觉。为能够对每幅作品色彩的不同加以印证主要是根据其思想以及创作的意旨进行划分，由于作者自身对事物的感受不同，所以在个性化方面也就较为突出。现今中国画色彩发展的道路愈来愈被拓宽，而每位画家都能够带来不同色彩绘画语言，在对传统继承中又有了新的创新。

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画画初学者如何学习绘画

第一，初学者要拜好师，找一名水平较高的领路人手把手地教授，这样才能少走弯路。

买来画画资料和教材，依靠自学，到头来也能提高画画水平。但无师自通只适合极少数天才的学习行为，普通人还得依靠带路人。

初学者常常对用笔、造型、结构、画理、色彩等方面的知识很贫乏，画画过程中容易出现各种错误，旁边若没人及时纠正，如果把错误养成了习惯，将来改正起来会很难，甚至会自己把自己废了。

第二，无论国画还是油画，练好素描功夫很有必要，尤其油画，没有素描功底，压根就没办法画下去。对写实性画画来说，素描极其重要。

第三，练习素描或写生时，先从静物入手。

静物由于形态很固定，画起来相对简单。画它们时，只需按照实物描绘出来，就能达到表现目的。

第四，多交流，多学习，尤其多学习名家。

闭门造车是学习任何技艺的绊脚石。名家由于经过了几十年摸索，他们的画画经受住了考验，无论在技法、构图，还是设色等方面，都比较纯熟。认真学习名家，也是系统提升画画功力的好方法。

画画初学者应该先学什么

(1)你可以报班，报班效率高，也可以自学

有人问我捷径是什么?这里我可以回答你了，学画画捷径就是“报班学习”，老司机带路，少走弯路，可以节省大量时间。要知道，这个世界上时间成本是最贵的，用自学苦苦摸索消耗的时间去干别的事情，可能早就把报班学习的钱赚回来了。

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(2)不要陷入技法研究

不论你喜欢的是什么类型的画，素描、水彩、彩铅、马克笔等等都可以， 希望你一开始学习的时候都不要陷入对某种表现技法的研究中，而忘记对绘画修养的培养，比如，观察能力、造型、色彩。“学画画，从素描开始”这句话大家都听过，但是，有人知道学习素描的目的是什么吗?学习素描是为了提高造型能力，然而，素描对大部分人来说太枯燥了，你能坚持多久呢?不妨从彩铅开始，练习造型和色彩双管齐下，而且更加有趣一点。

(3)不要对自己太苛刻

初学画画，不要对自己太苛刻，一下就去挑战高难度的作品，比如画人像等等，这些画完了也只是画了一个表面，没有任何收获的。应该由简到难进行高质量临摹练习，思考的时间一定要多于动笔的时间，多观察对比，多思考作者“为什么要这样去表现”，做到“知其然，更知其所以然”。那么，时间久了，你的绘画修养就潜移默化的提高了。

(4)学点绘画基础理论

画画虽然是个感性的东西，但是学得时候必须要有点基础理论的，什么色彩原理、透视、光影等等都需要了解。这个可以去购买1-2本书籍来学习，如果有老师指导你，那就更好了。学画画和学钢琴一样，学完最基本的“音符”和“五线谱”之后，就是学生不断的练习和老师不断指导的过程。

(5)找对组织，一群人走得更远

三分学七分练，练习非常重要。然而，一个人坚持很孤单，很容易不了了之，默默的放弃了。所以，要找到同伴，有一种画画的氛围，大家交流探索、相互鼓励，这样在坚持的路上不会孤单，能走的更远。所以，加入去1-2个画画兴趣小组或者群。注意：如果是去加“画画打卡群”，那么，千万不要被“打卡”这件事情给绑架了 ，结果变成了为了”打卡而打卡”。想想打卡的初心是什么?每次打卡，有收获吗?

(6)只有坚持，没有速成的办法

不要幻想能够速成，也不要指望上一期课程就能一下子就学会了，能够入门就不错了。想好了再跳这个坑，我认为画画就是一场修行，更希望大部分人能够把学画画的目的调整到追求一种“生活方式”上，这一场修行是需要坚持的!

美术知识大全9

我国古代教育家孔子就非常重视美育，提出造就人要“兴于诗、立于礼、成于乐”的理论，也就是说，培养人不但要使其学习各方面的知识，还要学习行为准则和受到艺术的陶冶。唐代张彦远对绘画的美育作用说得非常明确：“夫画者，成教化，助人论，穷神变，测幽微，与六籍同功。”近代教育家蔡元培更是重视美育，认为美育为教育的重要组成部分，缺乏美育的教育是不完全的教育。他认为，缺乏美育，尤以缺乏美术教育的人迂腐、僵化、缺乏创造性，更缺少情感与活力。

　　我国十年“__”动乱期间，美丑不分，善恶不辨，毁坏文物，践踏艺术。这种时代悲剧虽然已成历史，但是，我们还必须面对目前这样一个现实：仍有不少人认为传统国画是少颜没色，敦煌和永乐宫壁画颜色陈旧，不如欣赏月份牌年画或明星美照;印象派绘画是乱七八糟，还不如摆小摊的擦像好看。这不能不说明人的审美趣味有高低雅俗之分、崇高卑下之别。人的审美趣味与审美判断是与文化修养分不开的，审美感受属于人的最高精神感受。马克思曾说：“你要想得到艺术的享受，你本身就必须是一个有艺术修养的人。”通过艺术美进行美育是一种最简捷的有效方法，因为美的形象具体生动，往往使人受到深刻的教育。

　　艺术美种类繁多，它们分别借助于色、线、形、声等形式美的基本原素及其在空间和时间排列组合上的形式规律美的特征，来表现现实美。它是艺术家根据现实美的原型和素材，经过艺术加工而创造出来的，它是现实美的反映。艺术美是形式美和内容美的统一，它提炼概括了现实美，毛泽东认为它“比普通的实际生活更高、更强烈、更有集中性、更典型、更理想，因此就更带有普遍性”，也就更容易为人们所接受，能产生更大的陶冶教育作用。所以它是美育的最主要、最常用的教材。

　　艺术美的教育主要是通过音乐、美术、文学、戏剧、曲艺来进行的，本文笔者意在以美术教育为主展开探讨。美术是绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等的总称。它是艺术家运用点、线、面、形、体、色等基本审美因素，在二维空间(平面)或在三维空间上创造而成的审美客体，直接诉诸人的视觉。因此，人们通常又称美术为“空间艺术”或“视觉艺术”。

　　美术教育是进行美育的重要途径。它是通过设计、绘画、制作和欣赏美术作品等，引导学生研究美、表现美、创造美和应用美。它能使学生对事物和艺术作品作出正确的审美判断，使其形成良好的审美情趣，健康的审美观点。它又是以艺术形象作用于人的情感，给人以情感的陶冶，起着潜移默化的道德教育作用。

　　因为人们欣赏美术作品是感知和理解、情感与认识相统一的一种精神活动。它对人的影响是多方面的，它不同于政治和道德的直接说教，更不同于法律的强制约束。美的东西不但形象于表，而且还有寓情于内的特点，它能以美感人，以情动人，使人们在心理上乐于感受，在感情上产生共鸣，在性情上得到陶冶，从而形成良好的品德和个性，使欣赏者审美情感得到升华，精神境界得到提高。

美术知识大全10

　【第一】适时增补法

　　在课堂教学内容比较单一的情况下，很大程度上不能调动起儿童的积极性，运用增补法可以满足这些儿童的绘画“饥饿”心理。

　　例如《画青蛙》，有小朋友会问：“我可不可以再画几只青蛙呀?”“我可不可以画些小蝌蚪呀?”等等问题。小朋友自己想象，提出增补一些内容。

　　这时启发他们各抒己见，再加以引导：在画面上补充些什么，就能表现出一幅幅不同时间、不同环境、不同内容的画。小朋友运用头脑中已有的表象，加上联想，进行增补，从而充分发挥各自的创造力。

　　再如为幼儿提供一定的主题画面，通过语言故事或情景描述，引导幼儿采用增补画的方法添画背景，较完整地表现一定的主题情景，自觉地用线条符号较形象地传达自己的意图，有目的地进行绘画，从中还可以让幼儿体验到“我真行”、“我真棒”。

　　【第二】素材组合法

　　儿童作画并不能凭空想象，丰富表象的储备是想象内容更为生动的前提条件。因此在教学中有时还可以为儿童提供一些直观素材，让儿童根据自己的观察、理解，进行自由组合，发挥他们的创造力。

　　如为幼儿提供水果、蔬菜、鸟类、家禽等，请幼儿选一个主题将这些图形组合成一幅有情节的画。再如《童话故事》设计为造型•表现课型时，向儿童提供了一只睡觉和一只跑步的兔子、一只乌龟的造型以及蘑菇、树等背景卡片造型，问：“哪位小朋友最动脑筋，能画出连老师也想不到的‘龟兔赛跑’的画。”这样以来，孩子的思路打开了，可以更充分地体现出儿童奇妙的童心和大胆的创造力。

　　【第三】课题延伸法

　　课题延伸是指在坚持有利于儿童主动发展的前提下，对教材中原有的命题作适当的补充或改变。如《夜景》一课，在原课题的前面添加“ (地方)的”、“ 上的”等，换成半命题的形式，孩子易于思索;

　　再如《蔬果动物》一课，课题改成《蔬果动物园》，蕴涵合作精神，这样的内容范围广，“质量”也高。

　　【第四】潜移默化法

　　所谓潜移默化，是指人的思想或性格受到环境或别人的影响，在不知不觉中起了变化(《辞海》注)。在儿童画教学中，潜移默化的途径主要是通过作品欣赏、气氛感染而达到的儿童画创作的积极性。

　　如为儿童经常性地提供优秀作品或本班、本年级儿童的优秀作品欣赏，丰富儿童视觉感受，激发竞争参与意识，从而有效地提高儿童的绘画创作兴趣。

　　【第五】内容重叠法

　　在儿童画教学过程中，经常性会画一些有关节日性的画面，如儿童节、国庆节等。内容重叠法是指将一内容与另一内容重叠后形成新画面的方法，具体是指引导儿童将需要的内容进行夸张想象，破除儿童原由的绘画形象，将常画的内容与想画的内容重叠，经过想象创造描绘出新形式的儿童画。

　　譬如前面所列举的儿童节，在实际教学中不难发现，儿童常画的内容气球，但如果我们将气球进行夸张想象，将儿童想表现的画面体现在几个“大气球”里，相信这样的画面安排更趋新颖，更富新意。

美术知识大全11

画画入门初学技巧有哪些

认识铅笔

认识铅笔，摸可能会问，铅笔不就一种吗?从小就开始用铅笔学写字的。这你就不懂了，其实铅笔是有规格的如：2B、B、HB等,常用的也就这几种了。每种规格的铅笔软硬不一样，画出来的线条出现颜色深浅是有区别的。像2B是比较硬一点的，画线条要用力一点，画出来的线条颜色会浅一些，而且光泽度也亮一些。HB相对2B来说，就比较软，轻轻一画，就可以了，颜色较深，光泽较暗。

学会画线条

画线条可不是人人画得好的哦。不要以为线条简单就轻视它。素描可是由线条组成的，你要是轻视线条的存在，就是轻视素描的祖先啊。一般大师在学画画之前，都是画过很多很多线条的，而且纯画线条。所以你首先要练习的就是画线条，画的时候，不能弯，而且要果断、潇洒、力度得当，也就是一条线条要让人感觉到美、直、大方、尾部收得好、有条理，可不能是乱糟糟的一片黑乎乎的。

临摹速写照片

线条学过了，就选几张自己喜欢的照片进行临摹。可是美女、风景、食物，只要你喜欢都可以。临摹速写照片，只要画出轮廓就可以了，你临摹速写好不好，就看你的线条基本功好不好了，可不能一条直线，你硬是手抖画出了曲线，扭扭捏捏的哦。还有速写是画素描的基础功哦。

临摹素描照片

速写和素描是有区别的，速写只是用线条画出大概的轮廓，没有任何阴影的存在。可以这么理解，速写打基础画轮廓，素描就是给速写上颜色，只不过是上黑色而已，把黑的地方涂黑，白的地方留白就好了。这个上色好不好也是看你的线条和笔用得好不好了，可不能涂成黑黑的一片啊。所以前期先拿别人的作品临摹，别人那里黑泥就那里涂黑，建议特别黑的地方就用HB，线条就用2B了。

美术知识大全12

美术色彩的基础知识

1、定义：

色彩是绘画的重要因素之一。是各种物体不同程度地吸收和反射光量，作用于人的眼睛所显现出的一种复杂现象。

由于物体质地不同，和对各种色光的吸收和反射的程度不同，使世间万物形成千变万化的色彩。自然界中的颜色可以分为无彩色和彩色两大类。无彩色指黑色、白色和各种深浅不一的灰色，而其他所有颜色均属于无彩色。

2、色彩的三大要素 色相，我们最常见的色谱“虹”就是把颜色按照“ 红 橙 黄 绿 青 蓝 紫 ”依次过渡渐变，色相两端分别是暖色、冷色中间为中间色或中型色。

2、明度 明度是指色彩的明暗、深浅程度。主要包括两层含义：第一，明度是指各种纯正的色彩相互比较产生的明暗差别。在红橙黄绿青蓝紫这七种纯正的光谱色中，黄色明度最高，显得最亮。橙绿次之，红青又次之，紫色明度最低，显得最暗。第二，某一种色彩的物体受到强弱不同的光线照射，其本身产生了明暗变化，也表现出明度的不同。比如一颗绿树，受到阳光直接照射的亮面成为较明快的浅绿，未被直接照射的阴影面成为较深暗的绿色，这两种绿色的明度就有所不同。这就是同一种色彩因受光情况不同而产生的明度上的变化。因此，也可以说当一种色彩受强光照射时，它的色彩变淡，明度提高;当一种色彩受光很少，处在阴影中的时候，它的色彩变深，明度降低。

3、饱和度饱和度是指色彩的纯度。如果一种颜色掺杂了别的颜色，其饱和度会降低。饱和度越高，色彩越浓，越能发挥其色彩固有的特性。比如红与绿放在一起，往往有一种突出的对比效果，但是只有当红与绿都呈现饱和状态时对比才最强烈。如果两者饱和度降低，红色变成浅红或暗红，绿色变成浅绿或深绿，相互对比的效果就会减弱。

饱和度与明度不能混为一谈。明度高的色彩，饱和度不一定高。比如浅黄明度较高，但是饱和度不如纯黄色。明度降低的色彩，饱和度并不提高。比如红色加黑变成暗红，它的饱和度也会变低。在摄影中，颜色受到强光的照射，明度提高，但饱和度降低;颜色受光不足或处在阴影中，它的明度降低，饱和度也降低。

1、点 线 面，组成了丰富的形象世界，是一切造型的基本条件。

2、外界的物体，透过瞳孔投射在眼睛的视网膜上就会变得近大远小。

3、年画是中国民间最普及的艺术品之一。

4、黄色很明亮，蓝色暗得多，各种色彩明亮的程度叫做色彩的明度。

5、色调指：彩色画面上色与色之间的整体关系，构成色彩的调子，其中主要的色相为主调。各种色彩明亮的程度叫做色彩的明度。纯度就是色彩纯净的程度。

红、橙、黄是暖色，暧色是指给人温暖感觉的色彩。蓝、绿、紫是冷色，冷色是指给人凉冷感觉的色彩。

6、制作纸工作品常用到：剪、折、切割、粘、弯曲、插接等加工制作方法。

7、美术课可以分成(绘画课、手工课、欣赏课)，手工课常运用(剪、刻、挖、粘、接)等方法。

8、常用的几种剪纸的方法有阴剪、阳剪、综合法。剪彩纸的特点是(形式多样、质朴简洁、内容丰富、富有极强的装饰性。)其步骤是(起稿、固定画稿、刻钻剪、裱贴)

9、三原色是指(红、黄、蓝)。三间色是指橙、绿、紫)。

10、橙色是由(红)和(黄)组成,绿色是由(黄)和(蓝)组成,紫色是由(红)(蓝)组成。

11、任何物体都可以用(立方体、圆柱体、圆锥体、球体)四类基本形体去概括。

12、剪纸通常可以分为：窗花和鞋花两类。我国剪纸有南、北之分，南方细腻，北方粗犷。

13、手工制作的方法通常有：剪、折、刻、撕、粘、贴等。

14、中国画按绘画题材分：可以分为人物画、花鸟画和山水画;

按表现手法分：可以分为写意画、工笔画和兼工带写。

主要用笔方法有：中锋、侧锋、逆锋、顺锋等。

主要用墨方法有：焦、浓、重、淡、轻。

15、中国写意画讲究用笔和用墨,用笔包括(落笔),(行笔),(收笔)。用墨包括墨色的(浓淡)，(干湿)的变化的运用。传统中国画的基本技法是(勾)、(皴)、(点)、(染)。

美术知识大全13

美术的重要性

任何分类的设计师都需要有一定的美术基础，甚至也要有一定的手绘能力。我们在用电脑设计图形的时候其实也在潜移默化地在使用我们储存在大脑中的美术知识和审美，即使再先进的人工智能，也不能代替设计师的审美和美术知识。

说到底软件仅仅是工具而已。要想提高你图形的审美和设计感，那么就需要补一下美术基础的课了。互联网视觉设计中手绘在互联网设计中占的比重也在逐渐增多。

对于我们UI设计师来说手绘也成为一个绕不过去的技能，但是不要紧张：我们不需要成为手绘大神或者插画师，只需要掌握一定的美术知识再加练习即可。

那么如果我们掌握了美术知识并可以画出还可以的画，对我们会有什么好处呢？

美术在草稿中的优势

在作品创作的初期，草稿对我们构思起了很关键的作用。比如在APP项目、运营图、图标绘制以及一些图形化的设计中，首先很多设计师会打开电脑直接开始作图，然后就陷入了对工具选择的困惑中：我是该用钢笔工具勾形状呢还是用画笔工具呢。

不要纠结这些，你只要拿出纸笔，手绘出脑海中思考的图形就好了。等草图完成后，再打开电脑完善这个作品。

美术知识大全14

三大基本关系

首先我们要了解的是在美术里最重要的三个主要关系，他们是：结构关系、素描关系、色彩关系。这三个关系简单来说就是，结构关系是物体的透视关系（也就是近大远小的空间关系）、和物体的基本结构（可以把一个复杂的物体拆解成基本的圆形、三角形、正方形、长方形等简单容易描绘的结构）等，结构关系是我们如何理解形体的基础。

素描关系主要是研究光影的关系，一个物体在光源下肯定会产生如黑白灰等不同的明暗变化就是素描关系了。素描关系中最重要的就是三大面和五大调，我们下面会详细讲。色彩关系则是要研究不同的色彩互相融合产生的影响，比如邻近色、互补色、邻近色等，两个物体的颜色不一样也会产生环境色、固有色等。所以我们为了用手绘或者电脑绘图来描绘物体时，可以从这三个关系中来审视对象，就会描绘地更加准确了。

结构关系

透视

在结构关系中最重要的知识点就是透视了。透视是绘画理论术语，“透视”（perspective）来源于拉丁文“perspclre”（看透），是一种在平面绘画物体的空间关系的方法。物体由于近大远小的空间关系所以在我们观察者视角就出现了变化，这种变化和空间位置正相关。能够准确描绘出近大远小就能暗示出空间关系了。所以透视是画准结构的必要前提。

灭点

灭点指的是立体图形各条边的延伸所产生的相交点。透视点的消失点。灭点透视中，两条或多条代表平行线线条向远处地平线伸展直至相交的一点。平行的线能在灭点上推进而聚合的原则同样是以肉眼观察到的现象为依据的。

美术知识大全15

首先在以后画速写之前请同学们仔细观察模特的比例、动态、发型、衣着特点等，因为在我们面前的是一个活生生的人，有着灵魂和生命，所以只有用心感受模特，才能画出形神兼合的速写作品。闲言少叙，我们来讲一下具体怎么操控画面。

一、比例

口诀：站七坐五盘三半

坐姿人物的头身比例一般为五个头长，注意四肢和身体之间的前后遮挡关系。站姿人物的头身比例一般为七点五个头长，注意动态，不要太僵，太死，如有必要可以把动态画的夸张来夺取判卷老师的眼球。

更多比例（两臂伸直是人物的身高，小臂则是脚的长度，＜绘画测量时注意透视问题＞）

二、透视

透视为西洋画中的一个典型特征，由徐悲鸿先生带入中国，授之国人。所以透视的重要性我就不用解释过多了吧！“近大远小”即是透视的主旨，我们依照着这个主旨出发即可。首先我们要知道，速写人物的整体透视不大，每个肢体之间的距离有限，但根据我们所在角度的不同，每个肢体之间的透视还是有一定的变化的，而为了画面直观效果，我们还可以适当夸大透视，但不可火候过大。

如果同学们在画¾人物时可以在两肩，两脚连线，便可直观的了解速写人物的透视。

三、衣纹

通过对模特动作的观察，把握头，颈和躯干的动态关系，画出衣服的外轮廓线。让衣纹围绕着形体关系走，同学们可以参照（圆柱体包衬布，看衬布褶纹为例）注意几个特殊的关节：肘，膝，颈，腰等可弯曲的关节。集训的学习中的同学可以背几个固定形态相对稳定的衣褶（在一般的速写书中就可以自己选取或询问老师选取几个衣褶样式进行学习默画）

衣纹表达了衣服与肢体之间相辅相成的关系，对画一个正常穿衣服的模特来说至关重要当然，衣纹之间的疏密也要十分注意“关节密，肌肉疏即可。”

四、五官

1.眼睛

头部的刻画是尤为重要的，注意把握好头部的倾斜角度动态以及颈部，肩部的对应关系；

俗话说眼睛是心里的窗口，我们要学着去把这扇窗户画亮，画精。我们先是要从眼睑外形开始塑造，内眼角起笔，笔锋重入，外眼角淡出，在周围肌肉结构处添加一些调子（可用擦笔带过）接着瞳孔的朝向及是神态，不可呆板，可望向¾侧，也可用特殊夸张表情带有的神态画在人物眼中。接下来眼白与眼角内侧接触处用小调浅浅带过一层，表现出眼球的体积便可（速写绘画眼睛时一定要多多注意下眼袋的厚度！）

2.眉毛与头发

眉毛和头发都是人体自然生长的毛发，且有一定顺序，画前可观察生长走势，眉毛“一根一根”的画，头发细致的走线后按照头部体积感走一遍面即可。（请同学们多加写生练习，不要嫌多嫌烦，除非你有把面前模特剃秃的勇气）

3.鼻子

同学们，鼻子上有一个鼓点常常被人遗忘，在鼻梁的中段。我们可以摸一下自己的鼻梁感受一下。（一定要画出来!）科普一下：人类的鼻子软骨是从这个鼓点处开始长出的，这个软骨也就是我们在骷髅头中看不到的鼻子中的那一部分。之后在画鼻头与鼻翼时要多用稍微硬朗一些的笔触，鼻底在最后卡住，得以充分的表现出其与人中的距离。

4.耳部

每个人的耳朵各有不同，有的耳垂稍大有的耳垂稍小一些，在画的时候注意厚度变化，我们还要注意的是耳廓每一面的走势和深度，以及厚度的变化，不可画得过于片面，泛泛。

5.嘴巴

嘴从唇珠出发起笔，刻画得稍微重一些，之后轻用笔从唇缝走到嘴角笔稍重点收笔，结束。依照上嘴唇的两个块面画调子，则有一明一暗。看到了就一定要画出来!下嘴唇轻轻卡住，与下巴正面衔接处略微带点唇形出来。（建议单体练习时多用女性嘴部去练习，因为女性嘴部比较精也比较立体，更容易上手）

最后收尾时在眼轮匝肌，口轮匝肌，颧骨，面部，咬肌及太阳穴处加上明暗变化调子。可以用手或擦笔揉过与侧面的厚度。正常情况下速写面部最重处为鼻底的阴影处。

美术知识大全的内容就分享到这里，总之，美术知识范围广泛，涉及多个方面。通过学习美术知识，无论是对于美术爱好者还是从事相关工作的人士来说，美术知识都是必不可少的一部分。